Après avoir découvert l’univers de la danse dès son plus jeune âge grâce à la danse traditionnelle coréenne, Lip J a tout de suite su que la danse était sa véritable vocation. Cependant, transformer sa passion en métier n’a pas été simple : convaincre sa famille que cela pouvait être une carrière viable et surmonter sa nature introvertie, voilà un véritable défi.
Découvrez dans cet épisode comment elle est tombée amoureuse du waacking, a remporté son premier battle et a rencontré le légendaire Tyrone Proctor !
Diane Martel, réalisatrice iconique et figure clé du clip hip-hop des années 90, est décédée à 63 ans. À travers ses documentaires et ses clips, elle a donné une voix aux danseurs, capturé des mouvements culturels majeurs et influencé la manière dont la musique et la danse sont perçues à l’écran par le grand public.
Les clips et documentaires marquants de Diane Martel
1990 – House of Tres
Le premier documentaire de Diane Martel, House of Tres, explore la culture des clubs et la scène voguing à New York. Ce court-métrage immersif met en lumière la résistance queer et l’expression sur la piste de danse, à travers la mode, les gestes et la parole des performers. Il ne s’agit pas ici d’un documentaire explicatif, mais d’un film plongeant le spectateur dans l’énergie brute de la scène underground des années 90.
1992 – Wreckin’ Shop: Live From Brooklyn
Wreckin’ Shop: Live From Brooklyncapture l’énergie des danseurs de rue new-yorkais au début des années 90. La caméra suit les danseurs dans leurs improvisations, mettant en avant le freestyle, le hip-hop et la house dance. Ce documentaire témoigne d’une période charnière pour la culture hip-hop, combinant immersion, interviews des danseurs et mouvement.
1992 – Onyx – Throw Ya Gunz
Le clip Throw Ya Gunz d’Onyx illustre parfaitement l’intensité du hip-hop des années 90, et plus particulièrement du rap. Diane Martel y déploie une mise en scène brute et nerveuse, avec des décors tagués, des mouvements de masse et une tension constante. L’esthétique du clip est crue, reflétant l’esprit du hip-hop new-yorkais. Grâce à ce clip, Diane Martel capture tout un moment, une attitude et une manière d’occuper l’espace.
1995 – Method Man ft. Mary J. Blige – You’re All I Need to Get By
Dans ce clip, Diane Martel propose une vision brute et intime du duo entre Method Man et Mary J. Blige. L’esthétique sombre et réaliste capture le New York des années 90 avec des jeux de lumière contrastés, mêlant amour et décors bruts de rue. Ce style est devenu emblématique dans le hip-hop.
2000 – Mýa – Case of the Ex
Avec Case of the Ex, Diane Martel signe l’une des scènes de danse les plus emblématiques des années 2000. Le clip mise sur une esthétique minimaliste et symbolique, mettant en avant une chorégraphie agressive et puissante réalisée par Tina Landon. Loin de la romance traditionnelle, le clip devient un manifeste visuel de puissance féminine, mélangeant danse, mode et paysage.
2002 – Justin Timberlake – Like I Love You
Pour ses débuts en solo, Justin Timberlake s’appuie sur Diane Martel pour un clip visuellement élégant et rythmé, avec une chorégraphie marquante et emblématique signée Marty Kudelka. La danse structure le clip, guidant le rythme, la narration visuelle et l’énergie de la performance, confirmant la capacité de Martel à fusionner musique et mouvement.
2013 – Robin Thicke – Blurred Linesft. T.I. et Pharrell
Diane Martel réalise le clip Blurred Lines, devenu un phénomène mondial et controversé. Son esthétique audacieuse, minimaliste et provocante a suscité autant d’éloges que de critiques, reflétant l’impact complexe de Martel sur la culture pop et la manière dont elle utilise le visuel pour provoquer et captiver.
2013 – Mobb Deep – The Learningft. Big Noyd
Avec The Learning de Mobb Deep, Diane Martel démontre son regard unique sur le hip-hop underground. Des icônes de la pop aux légendes de l’underground, Diane Martel a façonné notre manière de voir la musique à travers le mouvement, le style et la narration. Ce clip en est la parfaite illustration. A travers son regard, on ne se contentait pas de regarder… On apprenait.
Diane Martel: Une héritière de la culture visuelle
Des documentaires aux clips pop, Diane Martel a toujours mis le mouvement et la danse au centre de ses récits visuels. Son style, mêlant réalisme, provocation et immersion, a façonné notre manière de percevoir la musique à travers les décennies. Elle laisse derrière elle un héritage artistique indélébile, un modèle pour les futures générations de réalisateurs et de chorégraphes.
Véritable pionnier de la danse et de la chorégraphie, Dave Scott a contribué à porter la street dance sur la scène internationale. À travers sa vision, son travail et son engagement envers le mouvement, il a redéfini tout un genre et inspiré des générations de danseurs et de danseuses à travers le monde.
De You Got Served à Step Up 2: The Streets, sa direction artistique et son langage chorégraphique ont offert à la street dance une visibilité sans précédent, participant à sa reconnaissance bien au-delà des scènes underground.
Un chorégraphe qui a redéfini la street dance
Le travail de Dave Scott a joué un rôle majeur dans la manière dont la street dance a été représentée dans la culture populaire. Ses chorégraphies alliaient précision, musicalité et narration, repoussant les limites de ce que les styles hip-hop et street pouvaient exprimer à l’écran.
En intégrant la street dance dans de grandes productions cinématographiques, il a contribué à élever la discipline et à ouvrir des portes à des danseurs et danseuses du monde entier.
L’architecte de l’âge d’or du hip-hop et du R&B
Dave Scott a également laissé une empreinte indélébile dans l’industrie musicale. Il a chorégraphié pour des artistes emblématiques tels que Usher, Ginuwine et Chris Brown, contribuant à ce que beaucoup considèrent comme l’âge d’or des clips hip-hop et R&B.
Son vocabulaire de mouvement, son sens du groove et son impact visuel ont influencé non seulement le public, mais aussi d’innombrables chorégraphes et interprètes qui lui ont succédé.
Un héritage qui perdure
L’héritage de Dave Scott dépasse largement la scène et l’écran. Son travail continue de vivre à travers chaque danseur et danseuse qu’il a inspiré, dans les studios, sur les scènes et au sein des communautés à travers le monde.
Son influence façonne encore aujourd’hui la manière dont la street dance est créée, transmise et partagée.
Avec amour et respect
Rest in power, Dave Scott. Ta vision, ton œuvre et ton impact ne seront jamais oubliés.
Le terme Litefeet a été popularisé par l’artiste A.G The Voice of Harlem. Il évoque l’idée d’une légèreté presque irréelle : des danseurs qui bougent comme s’ils étaient en apesanteur, portés par une énergie permanente et un contrôle total de leur corps.
Les débuts du Litefeet à New York
Le Litefeet apparaît au début des années 2000 aux États-Unis, d’abord dans le Bronx, avant de s’ancrer durablement dans les rues de Harlem. C’est toutefois dans le métro new-yorkais que le style se fait véritablement connaître. Les danseurs investissent l’espace, utilisent les sièges, les barres, les rames en mouvement, et lancent leur rituel devenu culte : “SHOWTIME!”.
Ces performances spectaculaires transforment le quotidien des passagers et participent à l’essor rapide du Litefeet auprès des jeunes. La danse devient progressivement un symbole social et culturel fort de Harlem, tout en restant profondément ancrée dans le freestyle.
Une danse hip-hop de troisième génération
Le Litefeet est souvent décrit comme une extension naturelle de la culture hip-hop new-yorkaise.
« C’est la troisième génération de danseurs hip-hop, les petits-enfants du hip-hop original. Le Litefeet reflète la communauté hip-hop de New York, c’est l’histoire de cette ville. »
LOCK IN: A Litefeet Story
Cette identité collective fait du Litefeet bien plus qu’un style : c’est un langage urbain, une manière d’exister et de s’exprimer dans l’espace public.
YouTube, artistes et reconnaissance internationale
YouTube joue un rôle clé dans la diffusion du Litefeet. Les vidéos de performances dans le métro rendent célèbres plusieurs crews emblématiques et contribuent à faire rayonner la danse bien au-delà de New York. Des artistes soutiennent également ce mouvement, comme Redlight, qui invite le crew W.A.F.F.L.E. à performer sur un morceau en collaboration avec Raekwon.
Grâce à cette visibilité, le Litefeet s’impose comme une danse identifiée, reconnue et suivie à l’échelle internationale.
Parmi les crews qui ont rendu le Litefeet aussi populaire :
W.A.F.F.L.E. (We Are Family For Life, Ent.)
MonzterInc, Brotherhood
2Real Boyz
Team Rocket
Demon
2crafty
Loonatics
Live Zombies
LyveTyme
NewMem
The Litefeet Collective Bwreckfast Club E.A.T.
Une énergie collective et communicative
Le Litefeet se caractérise par une énergie explosive, autant chez les danseurs que dans le public qui réagit, encourage et participe. Cette interaction constante avec la communauté est l’une des forces majeures du style et explique son fort pouvoir de rassemblement.
C’est aussi dans le Litefeet que l’on retrouve plusieurs danses devenues virales auprès du grand public, dont l’une des plus marquantes reste le Harlem Shake, qui a contribué à faire connaître ce mouvement à l’échelle mondiale.
Le Litefeet face à l’interdiction
En février 2015, la ville de New York adopte une loi visant à interdire la pratique du Litefeet dans le métro, jugée dangereuse. Loin de signer la fin du mouvement, cette décision renforce son statut de danse de résistance, rappelant que le Litefeet est né dans l’espace public et s’y est toujours construit.
LOCK IN : raconter l’histoire du Litefeet
En 2023, le documentaire LOCK IN: A Litefeet Story, réalisé par Arnstar, Paul Gee, Moe Black, Skyler et CBS Sports Network, revient sur l’histoire du mouvement. La narration est portée par Lil Mama, donnant une voix intime et engagée à cette culture urbaine souvent marginalisée.
Le Litefeet a traversé l’Atlantique et s’est également implanté en France. Une communauté active continue de faire vivre le style, notamment à travers @litefeetfrance_official, qui diffuse informations, événements et contenus dédiés à la danse.
Safe Space, espace protégé, zone neutre, entre-soi ou encore espace sécuritaire, on en entend parler, mais à quoi ça ressemble ? Est-ce qu’on peut vraiment se mettre d’accord sur une seule définition ? Le Safe Space c’est souvent l’endroit où on peut exercer une certaine liberté, mais à chaque liberté ses droits et ses devoirs, non ?
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